Quotéo algo que encontré en mi carpeta de txt's. Era un aporte de un foro de comics pero como el autor también lo tomó de otro lado ni lo menciono.


LOS 7 TIPS CAPITALES PARA ESCRIBIR DIÁLOGOS

Muchas veces,se dice que si hacer comics fuera como una banda de rock, el trazador siempre es como el guitarrista o vocalista frontman: el que más luce y al que más fans y groupies le arrojan su ropa interior. Sin embargo, por muy virtuoso o carismático que sea un frontman, nunca triunfará sin alguien que le marque el ritmo con el bajo y la batería, y/o le componga la música. Ahí entra la labor de un guionista, quien además de inventarse situaciones interesantes, debe saber hacer las letras de las ‘canciones’ que hará con el trazador: los diálogos.

Hacer diálogos no es tan difícil, puesto que cualquiera sabe cómo conversar. Pero hacer buenos diálogos, efectivos para la narración en comic, ya es asunto aparte. El comic, siendo tan similar al cine, la TV o el teatro, aunque no usa actores reales, si tiene diálogos demasiado forzados, es como si tuviera un elenco de piedras paralíticas con pánico escénico.
Si no tienes idea cómo hacerlo, toma nota de los siguientes tips y orientaciones. No son un método absoluto y único, pero sí son consideraciones que sin importar tu formación, siempre deberás tener presentes si deseas lograr que tus personajes e historias sean memorables para tus lectores.
Toma nota:

1) Estudia español.
Por si no quedó claro, va de nuevo: ESTUDIA ESPAÑOL. Es lo más importante y básico que se debe tener a la hora de escribir cualquier cosa: conocer cómo funciona tu lenguaje.
Un dibujante de comic debe tener las más elementales nociones de anatomía, volumen, luz y sombra, y secuencialización. A un guionista le corresponde saber de igual manera, ortografía, gramática y vocabulario. Si vas a trabajar con letras y palabras, pues de menos debes conocerlas igual o mejor que un mecánico automotriz conoce los motores.

Debes conocer los signos ortográficos, y usarlos adecuadamente para algo más que representar palabras soeces (\|@{#¢.,;å8]¬÷®<†œ©øp?‚¿?=/>~&%$·”ª°i?•£‰ /‘’˜!!), pues a fin de cuentas, aunque no se pronuncian, indican la cadencia y entonación de las frases y palabras.
La ortografía es basiquísima, pues de ella depende que las palabras que escribas se entiendan claramente (y olvídate de que las si reglas son para romperse o la licencia poética, que esas libertades en realidad requieren otra clase de reglas y concesiones aún más complejas, que sólo se aprenden tras años de práctica continua).
Dicho sea de paso, habitúate a leer con calma y atención. De una buena comprensión en la lectura, se origina la elaboración de textos bien planteados en su orden de ideas.

No te desanimes si no te memorizas textualmente —valga la expresión— las diferencias entre palabras agudas y esdrújulas, o cuántos son los adverbios: la buena ortografía y redacción, en la práctica, son más cuestión de atención y sentido común, que de lineamientos específicos de gramática. En todo caso, ante las dudas, procura siempre tener a la mano 2 buenos diccionarios: uno convencional, y uno de sinónimos. Si tu presupuesto lo permite, y tienes una enciclopedia (que no sea la Encarta), mejor aún como referencia base para cuando escribas.
O si no, no tengas miedo o demasiada vanidad como para conseguirte a alguien que te eche la mano como corrector de estilo.

2) Dale personalidad a los personajes (valga la redundancia).
Como has de saber, cada persona tiene un carácter y personalidad únicos y distintos. Gran parte de la forma de ser, el modo de vida y hasta la región de donde es uno, se refleja en el modo de hablar. Por lo mismo, conviene que a cada personaje, le des un modo particular de hablar, para que cuando 2 personajes dialoguen entre sí, se entienda bien que son 2 caracteres y carácteres distintos, no uno solo que está monologando. Un error muy común entre novatos —y muchísimos profesionales— es precisamente hacer que todos sus personajes hablen exactamente igual, a veces hasta con exactamente las mismas palabras y modismos.

Un buen diálogo permite que en una o tres frases captes inmediatamente la personalidad de quienes hablan, haciéndolos distintos de los demás. Eso les da vida propia, y hace que los lectores sientan que conocen a los personajes (recuerda a tus personajes favoritos y dí si sí o si no es así...).
Existen algunos recursos o trucos para lograr ese efecto, siendo uno de los más recurrentes y rápidos, el usar acentos regionales muy marcados. Es válido, pero en la medida de lo posible no dependas sólo de eso, a menos claro, que tu intención sea de antemano usar clichés y humor (in)voluntario. Está ambién el recurso de alterar los globos y tipografías para simular voces diferentes, pero eso ya es más arte de letrereado que de redacción, así que no te atengas a eso únicamente tampoco, en un momento dado.



Un mejor tip, es que al usar o crear un personaje, definas sus antecedentes, incluyendo su nivel de educación, su religión, ocupación, carácter, edad y cualquier otro detalle importante de su estilo y modo de vida. Luego, usa esos elementos como base para crear sus patrones de habla e incluso determinar cuáles serán sus frases particulares. Venga, Popeye, al ser un marinero, cuando se sorprende, es más fácil que diga «¡Por las barbas de Neptuno!», a que diga «¡Oh Dios mío!» o «¡Ay wey!».
Ya que determinaste cuál es el modo de hablar de un personaje, manténlo siempre coherente, que a menos que tengan algún trastorno mental, no pueden andar cambiando de personalidad y modo de hablar de una página a otra.

3) Observa cómo habla la gente.
Así como los dibujantes deben aprender nociones básicas copiando modelos reales, si escribes, escucha y observa cómo habla la gente real a tu alrededor. Ve a una plaza o transporte públicos, y fíjate bien cómo habla la gente: qué slang usan, cuándo las usan, con qué entonación, si mueven las manos con ciertas frases, si hacen gestos para darse a entender mejor, si alguna palabra nueva está de moda, etc. Si puedes llevar un block de notas para anotar algunas frases nuevas o palabras interesantes que oigas, mejor aún. Sólo notando cómo hablan las personas reales, lograrás darle naturalidad y fluidez a tus diálogos —o por lo menos, sacar algunas ideas que más adelante te saquen del apuro ante el temido bloqueo de escritor. Es además la mejor forma con la que puedes acabar de percibir cómo se reflejan las diferentes personalidades al hablar.



Otro tip básico,es habituarte a leer tus diálogos en voz alta, para tí mismo, o para alguien que te ayude escuchándote. Así se nota si algo suena forzado o no.
Si vas a leer tus diálogos para tí mismo, preferentemente hazlo un rato después, con la mente despejada y fresca para notar mejor los detalles que pudieras pasar por alto.
Las palabras muchas veces suenan y se leen de modo distinto —lo que es más, una misma palabra puede tener varios significados dependiendo del contexto, entonación o quién la dice. Fijándote en este tipo de detalles, puedes checar qué es más natural y coherente, salvándote del eterno problema que son los diálogos demasiado acartonados y forzados. Tambien es algo útil por si tienes necesidad de usar algún lenguaje en particular para dirigirte a algún público específico.

Por cierto, en historias de época, regionales o documentales, hay libertad artística de adaptar frases a un lenguaje local y coloquial... pero si puedes documentarte bien de antemano, es mucho mejor, pues a través de los diálogos puedes contribuir a crear una ambientación adecuada y coherente de tiempo, lugar, usos y costumbres. Claro, tampoco exageres y hagas tu lenguaje demasiado apegado a su versión original, pero incomprensible para aquellos no familiarizados con los temas que estés manejando.

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4) Sé breve y directo.
El lector de comic literalmente anda «con un ojo al gato, y otro al garabato», pues debe dividir su atención entre leer frases y ver dibujos. Si los textos rebasan a los dibujos, la lectura se vuelve cansada y es ya prosa ilustrada, no comic. A rasgos generales, los textos no deben rebasar un tercio del espacio de cada panel, así que por lo mismo, procura ser lo más breve y directo posible. La simpleza siempre funciona mejor, checa el ejemplo:



Aún si tus personajes tienen por rasgo particular ser muy parlanchines, procura siempre usar un lenguaje directo —se trata de que comuniques ideas, no que presumas tu retórica o tu lírica. Un error muy común, es la idea empírica de que a mayor complejidad, mayor contenido “artístico”...olvídate del arte literario, o mejor de plano ponte a escribir prosa o poesía, en vez de comics. Cada palabra cuenta, y todo lo que digas, puede volverse en tu contra.

Por supuesto, tampoco te vayas al extremo de ser excesivamente condensado y escueto. Para hacerte una idea, sin importar el formato, todos los globos de diálogo de todos los comics, en promedio, tienen capacidad para 140 o 150 golpes de texto a lo sumo —equivalente a 2 renglones de cuartilla, escritos a máquina standard o en computadora con letra courier a 12 puntos. Si lo que tu personaje tiene que decir supera ese límite, divide su comentario en 2 globos o de plano mete otro panel... es preferible meter una escena larga de parloteo entre personajes interactuando, a que apelmaces un discurso demasiado largo en un solo cuadro con personajes más estáticos que un títere de ventrílocuo.

5)Sé descriptivo —aunque no demasiado explicativo.
Por muy fotorrealista y fluido que sea el arte en un comic, al final son los diálogos los que siempre terminan compensando y ayudando a entender qué rayos sucede, de qué trata la historia o qué es exactamente lo que se supone el lector está viendo. Mediante los diálogos, es como uno se entera cómo se llama cada personaje, qué hace, qué lo motiva, qué olores y sonidos hay, etc.



Siempre es mejor dejar que el trazador sea quien muestre gráficamente a los personajes y situaciones, en vez de que tengas que explicarlo todo mediante frases o textos narrativos redundantes. Por decir algo, para demostrar que un villano es realmente maloso, es más efectivo verlo en una escena pateando cachorros o robándole dulces a un bebé, que desperdiciar secuencias de diálogos diciendo una y otra vez que el villano es un malvado.
Sin embargo, al escribir los diálogos, asegúrate de incluir toda la información que necesite el lector para entender la historia. Menciona y describe todo y sólo lo necesario para hacer avanzar la narración. Por ejemplo, si publicas a blanco y negro, y es importante que haya una pelota verde, asegúrate que un personaje mencione casualmente en un momento u otro, que la pelota es verde. Si realmente para efectos de la historia da lo mismo que la pelota sea roja o con puntos de colores, no pierdas tiempo describiendo eso, y aprovecha el espacio para otra cosa.

Así como los dibujos deben ser lo bastante secuenciados como para entenderse con claridad sin los textos, los diálogos leídos por su cuenta, deben también ofrecer una visión clara de lo que ocurre. Obviamente, ninguno de ambos —textos y dibujos— deben narrar por si solos toda la historia completa (si no, ni tiene chiste ponerlos juntos para que se complementen entre sí), pero siempre deben ser bastante claros y descriptivos en sus planteamientos narrativos.

Si tu historia es más o menos prolongada, procura ser también reiterativo con los detalles importantes a describir, como los nombres de personajes y lugares o situaciones clave —especialmente de un episodio a otro, si tu historia es seriada; nunca sabes si algún lector nuevo ingresará, literalmente, cuando la película ya está empezada. La repetición de información por supuesto, procura que sea lo más casual posible, para que tampoco aburras a nadie repitiendo las cosas como perico.

6)No abuses de los chistes y los textos en off.
Obviamente, a todo mundo le gusta algún comentario sagaz que haga memorables los momentos clave. Y con toda seguridad, te sabes muchas frases con gran potencial de hacer clásicas tus secuencias, pero a menos que estés haciendo una tira cómica, tampoco se trata de que metas más chistes y frases sarcásticas que en una rutina de stand-up comedy. Si metes demasiadas frases espontáneas, sólo lograrás gastar rápidamente tus recursos para las siguientes páginas o episodios, además de distraer mucho la atención del lector de lo que está sucediendo a cuadro.

Lo mismo va para los monólogos en cajas de texto —equivalentes al recurso de las voces en off del cine y la TV. Ciertamente, no hay nada más “artístico”, “profundo” o “cool” que un personaje narrando en primera persona, con aires existencialistas. Pero recuerda siempre, que en el comic, textos e imágenes deben cooperar y complementarse entre sí. Un discurso demasiado metafórico, retórico y azotado no sólo distrae de la acción, sino que incluso se siente como algo muy ajeno y distante, a veces al grado de obligarlo a uno a leer 2 veces el asunto (y no precisamente por profundo o interesante, sino una por leer el texto, y otra por ver las imágenes que no se vieron atentamente la primera vez). No exageres con la azotadez o el arte, para no hacer que los dibujos se sientan más como un estorbo que como un complemento.



Por otra parte, recuerda siempre que estás escribiendo diálogos, o sea, conversaciones entre mínimo 2 interlocutores. Aún si un personaje no está acompañado de nadie, cuando habla, lo hace dirigiéndose hacia él mismo o el lector, no nada más habla solo como quien nadie lo escucha, nomás por oírse cool.
Cuando alguien dialoga, es para que se le escuche y responda —hablando o reaccionando de algún modo, no importa cómo, pero esa es la intención. A través de esa dinámica, se construyen las acciones, se mantiene la atención, se conoce mejor a los personajes y se fomenta la gestación de ideas. Las frases demasiado agudas o melodramáticas son apersonales y en el mejor de los casos, no propician respuestas fuera de un «Ah, bueno, órale...» (en el peor de los casos, caen en poses e incoherencias de carácter, como es el caso de muchos malos actores y directores de cine que son ridículos involuntarios).

7) Busca tu propio estilo.
Los escritores, por regla general, siempre han de escribir sobre lo que conocen —y todo escritor, conoce más de lo que imagina. Por muy surreal que sea un personaje, sus reacciones serán las mismas que las de cualquier otra persona común, y eso determina la diferencia entre un buen y un mal trabajo de ficción. La mejor ficción, es la que tiene un firme reflejo de su realidad. Y la forma en que cada quién refleja la o su realidad, es lo que determina al estilo de cada artista en general —escritores incluidos.

Si sólo te dedicas a leer y estudiar comics y películas, es seguro que podrás escribir diálogos tan buenos o mejores que los que otros hacen. Pero entonces, no crearás nada diferente y original, pues sólo estarás interpretando o incluso copiando los estilos de alguien más. De antemano, siempre le debes al lector lo más original y propio que puedas lograr —ojo, no necesariamente lo mejor o lo más revolucionario al medio o género. Al final no se trata de si algo es bueno o malo, sino simplemente de lo más único para ganarte un lugar propio —lo demás, ya llega después, no te preocupes por ello ni dejes que sea tu prioridad al crear. De lo contrario, sólo serás la calca de la fotocopia de la imagen mal escaneada del plagio de alguien que posiblemente, tambien sólo copia a alguien más que sí aprendió el modo de escribir.

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Wow... si leí todo eso a las 4 de la mañana, ¿no merezco un premio?

Lo voy a aplicar para los diálogos de mi novela; no para historietas.

Muy útil y bien escrito. ¿De dónde lo sacaste igual?

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